Ce mouvement artistique du 20e siècle a été très important dans l’histoire de l’art mais aussi très court.
Le cubisme est le fruit des peintres Pablo Picasso et Georges Braque qui ont introduit la fragmentation dans leurs œuvres d’art.
Plusieurs artistes faisant partie de la Section d’Or se sont joints au mouvement cubiste. Le groupe est apparu pendant la période du cubisme orphique mais fut grandement inspiré du cubisme analytique et synthétique.

LES GRANDS PEINTRES CUBISTES

Pablo Picasso
L’une des figures les connues du mouvement cubiste est certainement Pablo Picasso.
Il a fondé, avec l’artiste Georges Braque, le mouvement artistique du cubisme. Sa peinture Les Demoiselles d’Avignon est vue par les historiens de l’art comme étant la première peinture cubiste.

Georges Braque
L’artiste peintre et sculpteur Georges Braque a co-fondé le cubisme.
Avec le célèbre artiste Pablo Picasso, il créa le mouvement artistique cubiste et marqua l’histoire de l’art à jamais. Il a créé plusieurs oeuvres d’art cubistes avant de devoir se rendre au combat.

Et aussi :
A. Archipenko
Constantin Brancusi
Étienne Cournault
Juan Gris
Robert Delaunay
Sonia Delaunay
Marcel Duchamp
R. Duchamp-Villon
Albert Gleizes
Henri Laurens
Fernand Léger
Jean Dupont

LES TROIS GRANDES PÉRIODES

Cubisme analytique
De 1908 à 1912, ce fut la période la plus marquante du cubisme. Cette phase est intitulée cubisme analytique car l’artiste analyse les formes du sujet pour le reproduire simplement avec des formes géométriques.

Cubisme synthétique
La deuxième phase du cubisme fut, entre 1912 et 1919, Le cubisme synthétique. C’est alors que le grand peintre Juan Gris se joignit au mouvement. Le collage fut introduit dans cette période du cubisme.

Cubisme orphique
La mythologie grecque et les doctrines de Pythagore se lièrent au cubisme durant la période du cubisme orphique, de 1914 à 1920. Le sens et l’expression du sujet furent le noyau de la création artistique orphique.

DÉFINITION DU CUBISME

Les artistes Pablo Picasso et Georges Braque ont changé la face de l’art, au 20e siècle, en fragmentant le sujet de leurs œuvres d’art et en créant le mouvement artistique cubiste.
Le cubisme est un mouvement artistique d’avant-garde du 20e siècle, lancé par Pablo Picasso et Georges Braque, qui a révolutionné la peinture et la sculpture européenne, en plus d’inspirer les mouvements liés à la musique et à la littérature.
La première branche du cubisme, connue sous le nom de cubisme analytique, est à la fois radicale et influente comme mouvement artistique entre 1908 et 1911 en France, malgré sa courte période.
Dans la deuxième phase, le cubisme synthétique (à l’aide de matériaux synthétiques dans l’œuvre) prend de l’ampleur et garde sa vitalité jusqu’ autour de 1919, lorsque le mouvement surréaliste gagne en popularité.

L’historien Anglais Douglas Cooper décrit les trois phases du cubisme dans son livre « The Cubist Epoch ». Selon Cooper, il y a eu le petit cubisme (de 1906-1908), au cours duquel le mouvement a été initialement développé dans les studios de Picasso et de Braque, la deuxième phase est appelée le haut cubisme (de 1909 à 1914), au cours duquel Juan Gris a émergé comme figure importante et, enfin, Cooper se réfère à la fin du cubisme (de 1914 à 1921) comme la dernière phase radicale du cubisme.

Dans les oeuvres d’art cubistes, les objets sont fragmentés, analysés et rassemblés dans une forme abstraite au lieu d’un objet représenté d’un seul point de vue.
L’artiste montre l’objet d’une multitude de points de vue pour représenter le sujet dans un contexte plus large. Souvent, les surfaces se croisent au hasard, enlevant à l’ensemble son sens cohérent de la profondeur. Le contexte et l’objet pénètrent un dans l’autre pour créer un espace ambigu, une caractéristique distincte du cubisme.

ORIGINES DU CUBISME

Les œuvres d’art cubistes puisent leur inspiration dans l’art africain mais c’est le travail du peintre Paul Cézanne qui a incité les artistes à se pencher sur la variation du cubisme.

À la fin du 19e et au début du 20e siècle, l’élite culturelle européenne découvrait l’art africain et amérindien d’Amérique pour la première fois. Des artistes tels que Paul Gauguin, Henri Matisse et Pablo Picasso ont été intrigués et inspirés par la puissance et la simplicité de ces styles provenant de cultures étrangères. Autour de 1904, Picasso à rencontré Matisse avec l’aide de Gertrude Stein, à un moment où les deux artistes avaient récemment acquis un intérêt dans l’art africain et les masques de tribus africaines. Ils sont devenus des rivaux amicaux et se sont concurrencé au long de leur carrière. Cela a peut-être même conduit Picasso à entrer dans une nouvelle période de son travail, en 1907, marquée par l’influence de l’art grec, ibérique et africain. Les peintures de Picasso de 1907 ont été caractérisées comme Précubistes, notamment vu Les Demoiselles d’Avignon.

Certains pensent que les racines du cubisme se trouvent dans les deux tendances distinctes du travail de Paul Cézanne. D’une part, par le fait de briser la surface peinte en petites facettes multiples, soulignant ainsi le point de vue pluriel donnée par la vision binoculaire. D’autre part, par son intérêt pour la simplification des formes naturelles dans les cylindres, sphères, et les cônes.

Toutefois, les artistes cubistes ont exploré ce concept plus loin que Cézanne, ils peignaient toutes les surfaces des objets représentés dans un seul plan d’image, comme si les objets avaient eu toutes leurs faces visibles en même temps.

Ce nouveau type de représentation a révolutionné la manière dont les objets peuvent être visualisés dans la peinture et l’art.

L’invention du cubisme est un effort conjoint entre Picasso et Braque, puis les résidents de Montmartre, à Paris. Ces artistes ont été les principaux innovateurs de ce mouvement artistique. Peu après, l’artiste Espagnol Juan Gris s’est joint activement au groupe. Après avoir rencontré, en 1907, Braque et Picasso, il a commencé à travailler sur le développement du cubisme. Picasso a d’abord été la force et l’influence qui a convaincu Braque, en 1908, à s’éloigner du fauvisme. Les deux artistes ont commencé à travailler en étroite collaboration à la fin de 1908 et au début de 1909, jusqu’à l’éclatement de la Première Guerre mondiale, en 1914. Le mouvement s’est rapidement répandu dans tout Paris et en Europe.

Le critique d’art Français Louis Vauxcelles a utilisé pour la première fois le terme « cubisme », ou « bizarre cubiques », en 1908, après avoir vu une photo de Braque. Il l’a décrite comme « pleine de petits cubes », après quoi le terme à été rapidement utilisé, bien que les deux créateurs ne l’aient pas d’abord adopté.

L’historien d’art Ernst Gombrich a décrit le cubisme comme « la tentative la plus radicale de mettre fin à l’ambiguïté et de faire appliquer une seule lecture de l’image ; celle d’une toile de couleur faite par l’homme ».

Le cubisme a été repris par de nombreux artistes à Montparnasse et promu par le marchand d’art Daniel-Henry Kahnweiler. Devenant ainsi populaire tellement rapidement qu’en 1911, les critiques se référèrent à une « école cubiste » des artistes.
Toutefois, bon nombre d’artistes qui se voyaient eux-mêmes comme cubistes sont allés dans des directions très différentes de Braque et de Picasso.

Le Groupe de Puteaux a été une importante scission au sein du mouvement cubiste. Il inclut Guillaume Apollinaire, Robert Delaunay, Marcel Duchamp, ses frères Raymond Duchamp-Villon et Jacques Villon, Fernand Léger et Francis Picabia ainsi que d’autres artistes associés au cubisme, notamment Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Max Weber, Diego Rivera, Marie Vorobieff, Louis Marcoussis, Jeanne Rij-Rousseau, Roger de La Fresnaye, Henri Le Fauconnier, Alexander Archipenko, František Kupka, Amédée Ozenfant, Léopold Survage et Patrick Henry Bruce, entre autres.
La Section d’Or est un autre nom pour un groupe comprenant un bon nombre de ces mêmes artistes qui étaient associés au cubisme et à l’orphisme.

En 1913, les États-Unis ont été exposés au cubisme et à l’art moderne européen lorsque Jacques Villon présenta sept importantes et grandes oeuvres à la célèbre Armory Show de New York. Braque et Picasso ont eux-mêmes passé par plusieurs phases distinctes avant 1920, et certains de ces travaux ont été vus à New York, avant l’Armory Show. Des artistes Tchèques qui ont réalisé l’importance historique du cubisme de Picasso et de Braque ont tenté d’extraire ces éléments pour leur propre travail, dans toutes les branches de la création artistique – en particulier dans la peinture et l’architecture. Ceci s’est développé en un cubisme tchèque qui est un art d’avant-garde du mouvement tchèque promoteur du cubisme actif, principalement à Prague, de 1910 à 1914.

LE CUBISME CÉZANNIEN

Le peintre français Paul Cézanne a marqué l’histoire de l’art à jamais avec son style avant-gardiste et sa façon unique de peindre de grandes œuvres d’art considérées comme étant « le cubisme cézannien ».

Paul Cézanne, né le 19 Janvier 1839, était un artiste français et un peintre post-impressionniste. Son travail a permis une transition entre la conception artistique du 19e siècle et celle, radicalement différente, du monde de l’art au 20e siècle.

On peut dire que Cézanne fut le pont entre la fin de l’impressionnisme du 19e siècle et la nouvelle direction du mouvement cubiste au début du 20e siècle.
Les célèbres artistes Matisse et Pablo Picasso ont dit de Cézanne qu’il était « le père de nous tous » et on ne peut qu’être d’accord avec cette affirmation.

Le peintre Paul Cézanne démontre dans son travail qu’il maîtrise la conception, la couleur et la composition de l’image. Ses coups de pinceau, souvent répétitifs, sensibles et exploratoires, sont clairement reconnaissables et très caractéristiques de son style. Il a utilisé la couleur et des accumulations de petits coups de pinceau pour former des oeuvres d’art complexes qui sont à la fois une expression directe de la sensation de l’oeil et une abstraction de la nature observée. Les peintures de Cézanne transmettent cette étude intense de ses sujets, ce regard de chercheur et une lutte acharnée pour faire face à la complexité de la perception visuelle humaine.

Cézanne et le pré-cubisme ou le cubisme cézannien

Cézanne était intéressé à la simplification des formes naturelles en leurs formes géométriques essentielles. Comme les peintres cubistes, il a voulu traiter de la nature par le cylindre, la sphère et le cône (un tronc d’arbre peut être conçu comme un cylindre, une tête humaine comme une sphère, etc.). En outre, cette attention avec laquelle il a enregistré ses observations de la nature a abouti à une profonde exploration de la vision binoculaire, ce qui se traduit en deux perceptions visuelles simultanées, légèrement différentes, qui nous donnent la perception de la profondeur et une connaissance approfondie de l’espace.

Nous voyons deux points de vue différents en même temps ; Cézanne travaille cet aspect de la perception visuelle dans sa peinture, à des degrés différents.
L’observation de ce fait, en plus du désir de Cézanne de saisir sa propre perception véritable, l’a souvent contraint à dessiner les contours des formes afin de tenter d’afficher simultanément deux points de vue nettement différents, tel que perçu par l’oeil gauche et l’oeil droit. Ainsi, le travail de Cézanne transforme la façon traditionnelle de percevoir la perspective, en particulier d’un seul point de vue.

Après la mort de Cézanne en 1906, ses peintures ont été présentées à Paris dans un musée de grande envergure dans une exposition de type rétrospective, en Septembre 1907. Cette rétrospective de Cézanne au Salon d’Automne a grandement influencé la direction que l’avant-garde de Paris a prise. Depuis, il est perçu comme l’un des artistes les plus influents du 19e siècle et celui qui a annoncé l’avènement du mouvement cubiste.

Ces explorations de simplification géométrique et phénomènes optiques ont inspiré les oeuvres de Picasso, Braque et Gris, en plus d’amener d’autres artistes à expérimenter, avec de plus en plus de complexité, plusieurs plans de vue du même sujet et le fractionnement de la forme. Cézanne a déclenché l’une des recherches artistiques les plus révolutionnaires du 20e siècle et qui a affecté profondément le développement de l’art moderne. Ensuite, c’est le cubisme de Picasso et de Braque qui a conduit au cubisme analytique qui, comme les travaux de Cézanne, analysait la forme pour la reproduire avec de simple formes géométriques.

LE CUBISME ANALYTIQUE

La première phase marquante du cubisme fut Le cubisme analytique (1908-1912) qui se voulait une analyse de la forme de l’objet pour la reproduire à l’aide de formes géométriques simples telles que le cube.

Le cubisme analytique est l’une des deux principales branches du mouvement artistique du cubisme qui a été développé entre 1908 et 1912.
Contrairement au cubisme synthétique, Le cubisme analytique « analyse » la forme naturelle et la réduit en de simples parties géométriques sur deux dimensions. La couleur est presque inexistante, sauf pour l’usage de teintes monochromatiques de gris, bleu et ocre. Au lieu de mettre l’accent sur la couleur, Le cubisme analytique est porté sur les formes comme le cylindre, la sphère et le cône afin de représenter le monde naturel.

Au cours de ce mouvement, les oeuvres produites par Pablo Picasso et Georges Braque partagent des similitudes stylistiques.
Les deux peintres Pablo Picasso et Georges Braque se sont déplacés vers l’abstraction, ne laissant que quelques signes du monde réel à l’intérieur du cadre.
Cette notion se retrouve illustrée dans la peinture « Ma Jolie » (1911) par Pablo Picasso et « Le portugais » (1911) de Georges Braque.

À Paris, en 1907, il y eut une importante exposition rétrospective de l’oeuvre de Paul Cézanne, peu de temps après sa mort. L’exposition a amené l’idée que Cézanne fut un peintre important dont les idées ont été particulièrement résonnantes pour les jeunes artistes de Paris.

Picasso et Braque ont été inspirés par le cubisme de Paul Cézanne qui a dit d’observer et d’apprendre à voir et à traiter la nature comme si elle était composée de formes de base comme des cubes, des sphères, des cylindres et des cônes.
Pablo Picasso a été le principal artiste du cubisme analytique mais Georges Braque a également été important après avoir abandonné le fauvisme pour travailler avec Picasso dans le développement du lexique cubiste.

LE CUBISME SYNTHÉTIQUE

Le cubisme s’est dirigé dans une période synthétique, entre 1912 et 1919, révélant le célèbre peintre Juan Gris.
Opposé au cubisme analytique, cette phase introduit le collage dans l’œuvre.
Le cubisme synthétique a été la deuxième branche principale du cubisme, mise au point par Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris et d’autres, entre 1912 et 1919.
Pour la première fois, grâce à lui le collage a été considéré comme faisant partie des beaux-arts.

Les premières oeuvres d’art de ce nouveau style incluent « Still Life with Chair-caning » (1911–1912), de Pablo Picasso, qui comprend du tissus collé sur la toile. En haut, à gauche, sont les lettres « JOU » qui apparaissent dans de nombreux tableaux cubistes et qui pourraient se référer à un journal intitulé « Le Journal ». Les coupures de presse ont fait partie des inclusions dans ce style du cubisme par lesquelles des morceaux de journal et des feuilles de musique ont été inclues dans les collages. « JOU » pourrais également être relié à un jeu de mots sur les mots jeu ou jouer.

Pablo Picasso et Georges Braque ont eu une compétition amicale l’un avec l’autre et ces lettres auraient pu être une prolongation de leur jeu.

Considérant que le cubisme analytique a été une analyse des sujets, Le cubisme synthétique est plutôt une insertion de plusieurs objets les uns dans les autres. Picasso, par le biais de ce mouvement, a été le premier à utiliser du texte dans ses oeuvres et à avoir recours à des techniques mixtes, utilisant plus d’un type de support dans la même pièce. Opposé au cubisme analytique, Le cubisme synthétique apporte moins de changements de plan de vue et moins d’ombrage, ce qui aplatit l’espace.

Une autre technique utilisée a été appelée « papier collé », ou coller le papier, que l’artiste Georges Braque a utilisée dans son collage « Plat de fruits et de verre » (1913).

LE CUBISME ORPHIQUE

La phase orphique du cubisme (1914-1920) est plutôt mystérieuse. Par ses liens avec la mythologie grecque et les doctrines de Pythagore, ce mouvement est plus concerné par l’expression et le sens du sujet.
L’orphisme, ou Le cubisme orphique, est un terme inventé en 1912 par le poète français Guillaume Apollinaire. Il a utilisé le terme « orphisme » pour étiqueter les peintures de Robert Delaunay relatives à Orphée, le poète et le symbole de l’art de la chanson et de la lyre dans la mythologie grecque.
Le terme à été également utilisé en référence aux peintures de l’épouse de Delaunay, Sonia Terk, et à la peintre tchèque František Kupka et d’autres membres du Groupe de Puteaux (Section d’Or).

Guidés par Jacques Villon, les orphistes sont enracinés dans le cubisme mais portés vers une pure abstraction lyrique en voyant la peinture comme une sensation de couleurs vives.
Le mouvement a influencé des artistes tels que Patrick Henry Bruce et Andrew Dasbourg ainsi que des membres du groupe allemand Blaue Reiter et de la communauté canadienne et américaine du mouvement artistique Synchronisme.
Le mouvement est considéré comme indispensable dans l’évolution du cubisme vers l’abstraction.

Plus concerné par l’expression et l’importance de la sensation, ce mouvement utilise des sujets reconnaissables mais absorbés par des structures de plus en plus abstraites.
L’orphisme vise à se passer progressivement de la matière reconnaissable et à se baser sur la forme et la couleur pour en communiquer le sens. Le mouvement avait également pour but d’exprimer l’idéal de l’existence d’un état d’être infini.

L’orphisme se définit aussi comme une ancienne religion grecque mystérieuse, se démarquant, dans le sixième siècle avant Jésus Christ, avec une synthèse de la croyance pré Hellénique et du culte Thracien du dieu Zagreus qui se mêlèrent de plus en plus avec les mystères d’Eleusinian et les doctrines de Pythagore.

SECTION D’OR

Le Groupe de Puteaux aussi appeler la Section d’Or est un regroupement d’artiste célèbre rattacher au mouvement artistique cubiste. La Section d’or à disparue avec l’arrivée de la guerre.
La Section d’Or, également connue sous le nom de Groupe de Puteaux, était basée dans la banlieue de Paris. Puteaux a été un collectif de peintres et de critiques liés à l’orphisme, une branche du cubisme. Ils ont été actifs de 1912 à environ 1914, à la suite de leur exposition controversée du Salon des Indépendants, au printemps 1911.

Le mouvement a commencé avec une exposition à la Galerie d’art parisienne La Boetie, en 1912, qui a également été accompagnée par la publication du traité du Cubisme, par Gleizes et Metzinger. En plus des oeuvres d’art des frères Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Villon et Marcel Duchamp, d’autres artistes y figuraient tels qu’Archipenko, de La Fresnaye, Gleizes, Gris, Léger, Metzinger et Picabia. Le discours d’ouverture a été donné par Guillaume Apollinaire.

Le titre du groupe a été proposé par Jacques Villon, après la lecture d’une traduction de « Trattato della Pittura » de Leonardo da Vinci par Joséphin Péladan.

Péladan attachait une grande importance mystique à la section d’or et à d’autres configurations géométriques similaires. Pour Villon, ceci est le symbole de sa conviction dans l’ordre et l’importance des proportions mathématiques car il reflète les modes et les relations qui se trouvent dans la nature.

Le nom du groupe a été adopté afin de se distinguer de la définition plus étroite du cubisme, développée précédemment par Pablo Picasso et Georges Braque dans le quartier Montmartre de Paris.

Le début de la Première Guerre mondiale, en 1914, a en grande partie entraîné le groupe à mettre un terme à leurs activités.

Membres de la Section d’Or
Jeanne Rij-Rousseau (1870-1956)
Frantisek Kupka (1871-1957)
Maurice Princet (1875-1973)
Jacques Villon (1875-1963)
Raymond Duchamp-Villon (1876-1918)
Louis Marcoussis (1878-1941)
Francis Picabia (1879-1953)
Guillaume Apollinaire (1880-1918)
Albert Gleizes (1881-1953)
Henri le Fauconnier (1881-1946)
Fernand Léger (1881-1955)
Jean Metzinger (1883-1956)
Georges Ribemont-Dessaignes (1884-1974)
Roger de la Fresnaye (1885-1925)
Robert Delaunay (1885-1941)
Marcel Duchamp (1887-1968)
Alexander Calder (1898-1976)

GEORGES BRAQUE ET LE CUBISME

L’artiste Georges Braque, avec Picasso, a créé le cubisme et a, par le fait même, révolutionné l’histoire de l’art. Ce peintre créa des oeuvres cubistes jusqu’à ce qu’il dû quitter Paris pour aller se battre à la guerre.
Georges Braque (13 mai, 1882, au 31 août, 1963) a été l’un des principaux peintres et sculpteurs français du 20e siècle. Il a, avec Pablo Picasso, créé le mouvement artistique du cubisme.

Les peintures de Braque, de 1908 à 1913, ont commencé à refléter son nouvel intérêt pour la géométrie et la perspective simultanée. Il a mené une intense étude sur les effets de la lumière, la perspective et les techniques que les peintres utilisent pour représenter ces effets. Dans les scènes de son village, par exemple, Braque réduit souvent une structure architecturale en une forme géométrique se rapprochant de celle d’un cube. L’ombre de la structure, elle, donne l’illusion d’être plate et en trois dimensions en même temps. De cette façon, Braque place l’attention sur la nature même de l’illusion visuelle et de la représentation artistique.

À partir de 1909, Braque a commencé à travailler en étroite collaboration avec Pablo Picasso qui avait développé une approche similaire dans sa peinture.

L’invention du cubisme est un effort conjoint entre Picasso et Braque, puis les résidents de Montmartre, à Paris. Ces artistes ont été les principales figures de ce mouvement artistique innovateur.
Après s’être rencontré en 1907, Braque et Picasso ont commencé à travailler sur le développement du cubisme, en 1908. Les deux artistes produisirent des peintures de couleur neutre et de forme complexe, à plusieurs facettes, maintenant étiquetées comme faisant partie du cubisme analytique. En 1912, ils ont commencé à expérimenter le collage avec du papier collé.

Leur collaboration a continué et ils ont travaillé en étroite collaboration jusqu’au déclenchement de la Première Guerre mondiale, en 1914, lorsque Braque, enrôlé dans l’armée française, dû quitter Paris pour aller se battre.

PABLO PICASSO ET LE CUBISME

Le célèbre peintre cubiste, figure incontournable de l’art, Pablo Picasso, est le co-fondateur du cubisme. Son oeuvre Les Demoiselles d’Avignon est considérée comme étant une oeuvre d’art pré-cubiste.

Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad martyr Clito Patricio Ruiz y Picasso (25 octobre, 1881, au 8 avril, 1973) est un peintre cubiste, dessinateur et sculpteur espagnol andalou. Un des plus reconnus dans l’histoire de l’art du XXe siècle. Il est surtout connu pour être le co-fondateur du mouvement artistique cubiste et pour la grande variété de styles incorporés dans ses oeuvres d’art. Parmi les oeuvres de Picasso les plus célèbres on trouve le tableau proto-cubiste Les Demoiselles d’Avignon (1907) et sa représentation du bombardement allemand de Guernica pendant la guerre civile espagnole, Guernica (1937).

Le travail de Pablo Picasso est souvent classé par périodes. Alors que les noms de plusieurs de ses périodes ultérieures font l’objet de débats, les périodes les plus communément acceptées de son travail sont sa période bleue (1901-1904), sa période rose (1905-1907), sa période influencée par l’art africain (1908-1909), le cubisme analytique (1909-1912), et le cubisme synthétique (1912-1919).

En 1939, le « Museum of Modern Art » de New York, sous la supervision de son directeur Alfred Barr, un passionné des tableaux de Picasso, a mis en place une rétrospective de ses principales oeuvres d’art importante et très réussie.

En plus d’en mettre plein la vue au public, cette exposition fut très importante pour l’artiste et aboutit à une réinterprétation de son travail par les historiens de l’art contemporain et les chercheurs.

L’influence de l’art africain, qui a duré de 1907 à 1909, a été la période où Pablo Picasso a peint avec un style fortement influencé par la sculpture africaine. Cette période, qui a suivi sa période bleue et sa période rose, a également été parfois qualifiée de période nègre ou période noire.

Après la peinture « Les Demoiselles d’Avignon », Picasso a commencé à peindre dans un style influencé par les deux figures du côté droit du tableau qui étaient fondées sur l’art africain. Bien que cette peinture soit considérée comme la première oeuvre cubiste, avant même le début de sa phase cubiste, on peut clairement voir qu’il a passé plusieurs années à explorer l’art africain.
Pendant ce temps, l’empire français était en pleine expansion en Afrique et les artefacts d’Afrique ont été ramenés dans les musées Paris. La presse bourdonnait d’histoires exagérées, de cannibalisme et de contes exotiques à propos du royaume africain de Dahomey. La maltraitante des Africains dans le Congo belge était un sujet chaud. Il était donc naturel, dans ce climat, que Picasso tourne sont intérêt vers les objets africains comme source d’inspiration.

La période noire de Pablo Picasso a été suivie par Le cubisme analytique qui s’est également développé à partir de « Les Demoiselles d’Avignon ».

Plus précisément, cet intérêt de Picasso a été déclenché par Henri Matisse qui lui a montré un masque africain. Les chercheurs soutiennent que Matisse a acheté ce morceau à la boutique Emile Heymenn dans l’ouest de Paris.

Le cubisme analytique (1909-1912) est un style de peinture que Picasso à développé avec l’aide de Georges Braque. Les deux artistes ont déconstruit des objets et les ont « analysé » en termes de formes. Les peintures de Picasso et de Braque de ce moment-là ont de nombreuses similitudes.

Le cubisme synthétique (1912-1919) a été la suite du développement du genre.